Ce printemps, la National Gallery de Londres consacre une exposition aux dernières années de Michel-Ange.
L'exposition du British Museum s'inspire de la réinstallation de Michel-Ange à Rome en 1534 après l'effondrement de la république florentine. Il entreprit alors une série de commandes papales, dont la fresque du Jugement dernier dans la chapelle Sixtine, la reconstruction de la basilique Saint-Pierre et la création des peintures murales de la chapelle Pauline du Vatican. Pour illustrer cet élan tardif de sa production, le British Museum dévoile le carton de l’Épiphanie (vers 1550), en cours de restauration depuis 2018, aux côtés des dessins préparatoires du Jugement dernier, des conceptions architecturales de Saint-Pierre et d'une sélection de ses écrits.

Peu de lieux et d'époques ont autant marqué l'histoire de l'art que Paris en 1874, où se tint, il y a près de 150 ans, du 15 avril au 15 mai, la première exposition des impressionnistes mondialement connus tels que Degas, Morisot, Monet, Renoir et Sisley. Il s'agit de montrer comment les peintres se sont organisés au-delà de l'exposition officielle du Salon de l'Académie de Paris et pourquoi leur art a d'abord été rejeté puis célébré dans le monde entier .
Avec sa grande exposition Paris 1874 : Révolution dans l'art, le musée Warllraf-Richartz  de Cologne retrace le parcours passionnant de la peinture française et présente un panorama fascinant des artistes, des styles, des genres et des motifs.

À l'occasion du 250e anniversaire de Caspar David Friedrich (1774-1840), l'Alte Nationalgalerie de Berlin, présente une grande exposition de l'œuvre du plus important peintre romantique allemand. pour la première fois. Environ 60 peintures et 50 dessins venus d'Allemagne et de l'étranger, dont des icônes de renommée mondiale, seront exposés.
Une telle exposition est attendue depuis longtemps à Berlin, tout simplement parce que de nombreuses acquisitions et présentations publiques dans la capitale prussienne ont contribué à la renommée précoce de l'artiste du vivant de Friedrich et parce que la Galerie nationale abrite l'une des plus grandes collections de peintures de Friedrich au monde.

Le Musée d’Art Moderne de Paris propose une exposition rétrospective de l'œuvre de Jean Hélion (1904-1987), peintre et intellectuel dont l’œuvre traverse le XXème siècle : Jean Hélion fut un des pionniers de l’abstraction qu’il introduit en Amérique dans les années 1930, avant d’évoluer vers une figuration personnelle à l’aube de la deuxième guerre mondiale.

Amedeo Modigliani est un artiste européen au sens le plus large et le plus novateur du terme. En se concentrant sur l’image de l’être humain, sur le physique et sur la féminité affirmée, Amedeo Modigliani se positionne comme un pionnier du modernisme à une époque de dissolution de la forme, d’abstraction et de misogynie au début du XXe siècle.
L'exposition Modigliani : regards modernes réunit une centaine d'œuvres. Un dialogue unique se noue entre l'art de Modigliani et les peintures, dessins, gravures et sculptures de Gustav Klimt, Jeanne Mammen, Pablo Picasso, Natalja Goncharova, Egon Schiele et Paula Modersohn-Becker, entre autres.

La Hamburger Kunsthalle présente l'œuvre étonnante du dessinateur et graphiste anglais William Blake  (1757-1827). Ses œuvres expriment sa critique du monde tout en évoquant une vision de rédemption universelle. Ses images mystiques et ses œuvres littéraires sombres continuent d'être imitées dans la culture populaire actuelle, cependant, son œuvre est encore peu connue en dehors de l'Angleterre. Cette exposition sera la première à présenter au public l'ensemble de la collection Blake du Fitzwilliam Museum de Cambridge, ainsi que le legs du célèbre collectionneur de Blake Geoffrey Keynes. Bien qu'il n'ait jamais quitté la Grande-Bretagne, Blake était manifestement un véritable européen, une qualité qui se révèle en comparant ses œuvres à celles de contemporains européens sélectionnés, ce qui donne lieu à une exposition comprenant quelque 120 pièces

La Fondation Louis Vuitton, en collaboration avec le MoMA à New York, et le SMK à Copenhague, accueille l’exposition Matisse, L'Atelier rouge, consacrée à la genèse et à l’histoire de ce célèbre chef-d’œuvre de 1911. Cette toile représente l'environnement de travail du peintre à Issy-les-Moulineaux. L’exposition réunit pour la première fois les œuvres présentes dans ce chef-d'œuvre depuis qu’elles ont quitté l’atelier de Matisse. Elle s’enrichit de documents et d’œuvres éclairant le contexte de création et l’aventure de cette peinture.

Cette exposition rassemble plus de cent œuvres de Guerchin et d'artistes de son époque, provenant de plus de trente musées et collections importants - dont le Prado et le monastère de l'Escurial - pour présenter le grand art du maître émilien et retracer l'histoire du métier et de la vie des peintres au XVIIe siècle, dans une grande et fascinante fresque du système artistique. 

Le musée de la Vie Romantique célèbre le bicentenaire de la mort de Théodore Géricault, avec une exposition thématique consacrée  aux chevaux, ce motif si fréquent dans les œuvres de l'artiste. Une centaine de peintures, venues de collections publiques et privées, sont réunies pour cette exposition inédite.
Les chevaux sont la passion immuable de Géricault : de ses premiers dessins à ses plus grands tableaux, le peintre a toujours été fasciné par ces animaux, leur anatomie, leurs émotions, leur vie : l'artiste a admiré, analysé, étudié chaque aspect de cet animal. L'exposition explore donc cette passion dévorante dans un parcours divisé en cinq chapitres : Le cheval politique, L’écurie sanctuaire, Rome : la course des chevaux libres, Londres : dandies et prolétaires et La mort du cheval. 

Le Musée de Montmartre consacre une exposition rétrospective à Auguste Herbin (1882-1960).
Elle retrace, avec des œuvres souvent inédites, les sept périodes de création du peintre : postimpressionnisme, fauvisme, cubisme, objets monumentaux, nouvelle figuration, première et seconde abstraction. Herbin retrouve ici sa juste place dans l’histoire de l’art moderne, et nous donne à découvrir des œuvres de tout premier plan pour chacune des périodes créatrices traversées.

L'exposition prend comme point de départ les collections de peintures et de dessins des écoles nordiquesdes musées des Beaux-Arts du Mans, de Tours et d'Angers. Confrontant la représentation du vêtement dans des peintures, des dessins et des gravures de mode à des documents historiques, à des accessoires de mode ou à des éléments textiles, l'exposition aborde les questions relatives au vêtement dans un contexte volontairement large : les problématiques commerciales, sociales, économiques et même symboliques sont au cœur du projet.

Pour la première fois en France, une exposition d'envergure s'intéresse au  « whistlérisme », mouvement artistique contemporain de l'impressionnisme et pourtant encore peu étudié. L'exposition James Abbott McNeill Whistler : l'effet papillon  nous transporte de l'Écosse à la Pologne, des côtes normandes aux salons parisiens et rend hommage au peintre américain James Abbott McNeill Whistler (1834–1903), en soulignant à la fois les influences qui ont nourri son œuvre, et la façon dont il a, à son tour, inspiré de nombreux artistes.

L'exposition du Musée de Draguignan retrace la genèse de la commande par Marguerite Maeght à des amis artistes parmi lesquels Diego Giacometti et Marc Chagall de métamorphoser le décor intérieur de la chapelle Sainte Roseline. Une histoire originale et largement ignorée, Cette exposition nous plonge aux premières loges d’un chapitre méconnu de l’Histoire de l’Art, avec d’un côté les grands dessins, maquettes et aquarelles des vitraux réalisés par Raoul Ubac et Jean Bazaine ; de l’autre les deux grands plâtres préfigurant les bas-reliefs du Miracle des roses composé par Diego Giacometti. Chagall étant chargé d’une mosaïque murale sur le thème du Repas des Anges.

A l’occasion des 150 ans de l’impressionnisme, le Musée des Beaux-Arts de Marseille reçoit du Musée d’Orsay le prêt exceptionnel du Golfe de Marseille vu de l’Estaque, de Paul Cézanne et La Lavandière, de Paul Guigou.Intitulée Peindre Marseille, 1853-1878. Une autre modernité, l'exposition présente autour de ces deux chefs-d’œuvre, les paysages provençaux des peintres de l’École de Marseille qui dessinent leur vision d’une autre modernité.

Pour la première fois, trois musées - musée des Beaux-Arts de Dijon, musée des Beaux-Arts et d'Archéologie de Besançon et musée Unterlinden de Colmar - s'unissent pour proposer en trois expositions simultanées, une histoire à épisodes de la peinture germanique du Moyen Âge à la Renaissance : la période XVe à Dijon, la Renaissance à Besançon et la peinture dans la région du Rhin supérieur au XVe et XVIe siècles à Colmar. Ce panorama a été rendu possible grâce au programme de recherche de l'Institut national d'histoire de l'art (INHA) intitulé Répertoire des peintures germaniques des collections françaises (1370-1550). 

Le musée Unterlinden de Colmar s’associe au musée de Besançon et au musée des Beaux-Arts de Dijon pour proposer une exposition en trois volets qui s’intéresse aux peintures germaniques des collections françaises entre 1370 et 1550, selon trois axes spécifiques. Grâce à de généreux prêts de musées parisiens – musée du Louvre, musée des Arts Décoratifs, musée de Cluny, etc. -, mais aussi de nombreux musées en régions et d’églises, le musée Unterlinden propose d’inscrire la peinture germanique dans le territoire du Rhin Supérieur, qui s’étend de part et d’autre du Rhin, environ selon les frontières de l’actuelle Alsace, et abrite des villes riches et dynamiques qui sont de grands centres de production artistique, comme Bâle, Colmar et Strasbourg.  

Le musée des beaux-arts et d’archéologie de Besançon présente une exposition ambitieuse dédiée aux peintures germaniques de la Renaissance issues des collections publiques françaises. Deux autres volets de l’exposition, consacrés pour l’un aux peintures germaniques du Rhin supérieur (XIVe-XVIe siècles) et pour l’autre à celles du saint empire romain germanique (XVe-XVIe siècles) prennent place simultanément au musée Unterlinden de Colmar et au musée des Beaux-Arts de Dijon.
L’exposition du musée de Besançon présente 70 œuvres de la Renaissance germanique. Ce corpus resserré et exigeant met en valeur l’ensemble exceptionnel de peintures de Lucas Cranach (1472-1553), léguées par Jean Gigoux (1806-1894) et qui constituent des chefs-d’œuvre des collections bisontines.

Bien connu pour ses portraits animaliers et ses scènes de vénerie, Jean-Baptiste Oudry est l’objet de cette exposition qui présente d'abord un cycle de trois chasses expressément peint par Oudry pour le Château de Chantilly exceptionnellement réuni à cette occasion ainsi qu'un ensemble de dessins conservé en mains privées, présenté aux côtés des collections de Chantilly.  Parmi ceux-ci, de nombreuses illustrations pour les fables de La Fontaine montrent que le fabuliste autant que l’artiste se servent en fait du règne animal pour mieux faire rire ou réfléchir à la nature humaine. L’efficacité de ces illustrations fut telle que les arts décoratifs les copient et les intègrent à des éléments de décor également présentés au musée Condé. C'est l'occasion de réunir peintures, dessins, objets d’art et livres rares.

En cette année de célébration des 150 ans de la naissance du mouvement impressionniste, le musée des Beaux-Arts Jules Chéret consacre une exposition de premier plan à Berthe Morisot. Conçue dans le cadre de l’opération territoriale du musée d’Orsay « Les 150 ans de l’impressionnisme », en partenariat avec le Palazzo Ducale de Gênes, et avec le soutien déterminant de la famille de l’artiste, Berthe Morisot à Nice, escales impressionnistes  évoque les deux séjours de la peintre sur la Riviera lors des hivers 1881-1882 et 1888-1889.
 

Le musée Granet d’Aix-en-Provence consacre une rétrospective inédite au grand maître du baroque provençal, Jean Daret (1614-1668). Elle propose de redécouvrir l’œuvre de ce peintre natif des Flandres, qui s’installa à Aix-en-Provence au retour de son voyage en Italie. Son talent de coloriste associé à sa maîtrise du clair-obscur et du trompe-l’œil témoignent de ce mélange d’influences nordiques, italiennes et françaises. 

La Fundació Joan Miró à Barcelone et le musée Matisse à Nice s’associent pour organiser une exposition consacrée aux rapports entre les œuvres de Henri Matisse et de Joan Miró. Partant d’une base biographique, le parcours de l’exposition revient sur les moments décisifs où les regards croisés des deux artistes sur leurs œuvres respectives ont été particulièrement productifs : la pensée du fauvisme chez Miró, à la fin des années 1910 et au début des années 1940 ; le stimulus procuré à Matisse par les œuvres de Miró, à partir du milieu des années 1930. 

Cette nouvelle exposition sur la peinture, la sculpture et les objets de curiosité, en collaboration avec la Pinacoteca Nazionale, les Musei Civici et la fondation de la Cassa di Risparmio de Bologne, s’inscrit dans le prolongement des précédentes expositions du musée d’Ajaccio portant sur l’art italien des XVIIe et XVIIIe siècles. Si le XVIIe siècle bolonais, celui des Carracci, de Reni et de Guercino, est bien connu en France, l’exposition permettra au public de découvrir une période moins familière de ce centre artistique.

LHôtel de Caumont consacre une exposition à Pierre Bonnard et à l’influence de l’art du Japon sur cet artiste. Il s’agit de la première exposition sur le sujet, qui permettra de montrer comment Bonnard – celui que l’on surnommait autrefois le « Nabi très Japonard » – a intégré dans son traitement de l’espace, du temps et du mouvement, l’esthétique de l’art japonais, pour créer des œuvres en rupture avec le naturalisme et l’impressionnisme.

Peintre, dessinateur extraordinaire et graveur novateur, Federico Barocci a marqué la scène artistique italienne et européenne pendant près d'un siècle. Malgré le choix, inhabituel à l'époque, de rester dans sa ville natale, loin des grands centres culturels et de mécénat, il réussit à s'imposer avec un effort tenace comme l'auteur de peintures sacrées le plus admiré, demandé et payé de la seconde moitié du XVI° siècle.
Grâce à un ensemble de prêts de grands musées nationaux et internationaux qui enrichissent la collection déjà très importante de la Galleria Nazionale delle Marche, l'exposition monographique rassemble 76 peintures et dessins de Barocci, illustrant toutes les phases de sa longue carrière.

A l'occasion de se son anniversaire, la Fondation Maeght présente une exposition imaginée pour l’occasion  Amitiés, Bonnard-Matisse pour les 60 ans de la Fondation Maeght. L’exposition met l’accent sur la relation amicale et respectueuse entre Pierre Bonnard et Henri Matisse et retrace leurs liens avec la famille Maeght pour qui les deux artistes-amis incarnaient deux génies du XXe siècle, tout en partageant avec eux les grands – et plus anodins – moments de la vie.
 L’exposition explore les caractères spécifiques des deux maîtres mais aussi, par effet miroir, les particularités de chacun dans leur approche de mêmes sujets : les autoportraits, la rue, la lumière du Midi, le peintre et son modèle…

C’est à Hans Hartung, artiste majeur du XXe siècle qui fit de la libération du geste sa marque de fabrique, que le Doyenné – Espace d’Art Moderne et Contemporain dédie ses espaces d’exposition temporaire en offrant à ses visiteurs, à l’été 2024, un panorama choisi et complet d’une œuvre forte et prolifique.

Avec le monastère royal de Brou, le musée Thomas Henry organise une exposition qui explore les modes de prédiction de l’avenir vus par des artistes tels que Dürer, Gustave Doré, Rodin, Chagall ou encore Fujita.
Du Moyen Âge à l’époque contemporaine, plus de 70 œuvres européennes sont présentées : oracles, prophètes et prophétesses, astrologie, cartomancie ou encore voyance.
Pour la première fois, une exposition fera découvrir au public les moyens de prévoir et d’anticiper l’avenir, souvent conjugués au féminin, et interrogera les croyances et le désir de connaître l’avenir.

La Tate Modern offre avec cette exposition une plongée dans l'œuvre pionnière du Cavalier bleu, un cercle d'amis artistes du début du XXe siècle réunis par la mission de révolutionner l'art moderne. Dirigé par Wassily Kandinsky et Gabriele Münter, le groupe a exploré la couleur, le son et la lumière, produisant des créations vibrantes et audacieuses.
Les expressionnistes racontent leur histoire à travers l'art, mettant en valeur des talents individuels comme l'accent mis par Franz Marc sur la couleur ou les performances freestyle d'Alexander Sacharoff. Les femmes artistes, dont Gabriele Münter et Marianne Werefkin, ont joué un rôle essentiel. L'exposition présente plus de 130 chefs-d'œuvre, couvrant la peinture, la sculpture, la photographie et la performance, un rare rassemblement d'œuvres rendu possible par le Lenbachhaus de Munich.

Le modernisme ne saurait se passer de l'apport des femmes artistes. Outre des peintres et sculptrices célèbres comme Louise Breslau, Ottilie W. Roederstein et Marg Moll, de nombreuses autres femmes se sont imposées dans le monde de l'art au cours de la période autour de 1900. Parmi elles, Erna Auerbach, Mathilde Battenberg, Ida Gerhardi, Annie Hopf, Elizabeth Nourse et Louise Schmidt. Le Städel Museum de Francfort consacre la première grande exposition à ces femmes artistes et propose de les redécouvrir.

Le château de Versailles présente l'exposition Cheval en majesté – Au cœur d'une civilisation.
Avec près de 300 œuvres et des prêts exceptionnels du monde entier, elle met en lumière la place et les usages du cheval dans la société civile et militaire, sur une période allant du XVIe au XXe siècle, jusqu’à la veille de la Première Guerre mondiale, marquant la fin de la civilisation hippomobile et la relégation du cheval au domaine des loisirs.
Première exposition d'une telle ampleur dédiée au cheval, celle-ci s'articule en treize sections déployées sur un parcours traversant plusieurs espaces emblématiques du Château.

En 2024, la Fondation de l’Hermitage fête ses 40 ans et présente une exposition exceptionnelle en partenariat avec le Museum Langmatt de Baden. Constituée des trésors – majoritairement impressionnistes – rassemblés pour l’essentiel entre 1908 et 1919 par le couple de collectionneurs Jenny et Sidney Brown, cette somptueuse collection, habituellement montrée à la Villa Langmatt, est présentée à l’Hermitage pour la première fois hors-les-murs.

Après Londres et Amsterdam c'est Berlin qui accueille cette grande rétrospective du peintre et cette exposition est l'occasion de découvrir l'ensemble de ses talents. Extraordinairement productif, innovant, divertissant, Frans Hals était l'un des rares peintres qui ont défini le XVIIe siècle. Son style de peinture distinctif et libre a eu une influence décisive sur les artistes modernes, les impressionnistes le  considérant comme l'un de leurs précurseurs.
Outre une sélection de tableaux de grande qualité, l’exposition de Berlin présentera également des œuvres de ses contemporains de Haarlem, ce qui le place parmi les figures exceptionnelles de son époque. Parmi les 75 œuvres exposées, on compte une cinquantaine des plus importantes toiles de Frans Hals provenant de plus de 20 collections publiques et privées d’Europe, des États-Unis et du Canada.
 

L’espace de quelques mois, le MUDO-Musée de l’Oise invite le musée des Beaux-arts de Dunkerque pour faire dialoguer de manière inédite ces deux grandes collections de la région Hauts-de-France autour d’une thématique universelle et polysémique : les grandes histoires.
Au travers d’un parcours thématique, embrassant plusieurs siècles de création artistique, l’exposition ambitionne de proposer au visiteur un parcours à la rencontre de ces grands récits pour mieux en explorer les ressorts et finalités, et découvrir les artifices déployés par les artistes au fil des siècles pour raconter des histoires.

L'exposition du Chateau de Montal présente une trentaine d’œuvres, dont des prêts exceptionnels du musée du Louvre, du musée Carnavalet et du musée national de la Renaissance du château d’Ecouen. Elle retrace la production des Della Robia, sculpteurs et céramistes italiens de la Renaissance, qui ont marqué leur époque et illustrent les liens entre l'Italie et la France du XVIe siècle. Ils ont su maîtriser la terre et les arts du feu pour offrir des décors raffinés et éclatants aux châteaux et églises de la Renaissance. On découvre en particulier des vestiges du décor du château de Madrid, ou encore des bustes en médaillon de la première moitié du XVIe siècle.

Avec cette exposition des chefs-d'œuvre des collections des musées de l'Orangerie et d'Orsay, le propos est de montrer qu'à la croisée du XIXe et du XXe siècle, Renoir et Cézanne ont creusé deux sillons de la modernité picturale : le premier en frayant le chemin de traverse de l’impressionnisme, où la ligne cède le pas à la touche, à la couleur et à la lumière ; le second en pavant une voie nouvelle aux tracés rythmiques et synthétiques. Bien que distinctes, leurs trajectoires n’ont cessé de se rencontrer, par l’amitié, par l’admiration réciproque, par une communauté de sujets et de questionnements aussi, de la nature morte aux paysages, du portrait au nu, et jusque dans leur quête d’une essence des choses et des êtres.

Pour la première fois depuis près de vingt-cinq ans, les œuvres de Charles Coypel qui retracent l’histoire du célèbre héros de Cervantès sont présentées au public. En effet devant le succès littéraire du Don Quichotte, la manufacture de tapisseries des Gobelins avait  commandé une série de compositions à Charles Coypel, membre d’une illustre dynastie de peintres du roi. Premières illustrations françaises du roman, les tableaux restituent tout le burlesque des scènes décrites par l’écrivain. Les tapisseries connaissent un grand succès avec pas moins de 175 tissages pendant tout le XVIIIe siècle. Les gravures tirées de ces tableaux illustrent nombre d’éditions du roman jusqu’à la fin du siècle suivant et participe de la popularité du mythe.
En associant tableaux, tapisseries et gravures, l’exposition retrace l’histoire tumultueuse du preux chevalier tourné en dérision et révèle les clés d’un succès depuis les créations originales d’un peintre admiré jusqu’à leur multiple diffusion.

L’année 2024 marque le 75e anniversaire de la disparition de James Ensor.  À l’automne 2024, le KMSKA, Musée Royal des Beaux Arts d'Anvers présente l’une des plus grandes expositions belges consacrées à Ensor. Le musée dispose en effet de la plus importante collection Ensor au monde et est ainsi le lieu par excellence pour présenter la vision globale de son œuvre. Cette présentation est complétée des prêts ambitieux du MoMA, du Metropolitan, Art Institute of Chicago, du Musée d’Orsay, du Fine Arts Museum San Francisco, du National Museum Stockholm, de la National Gallery of Canada, du V&A entre autres.

Présentée dans l’appartement de la reine Catherine de Médicis du musée national de la Renaissance au château d’Ecouen, l’exposition intitulée À cheval : Le portrait équestre dans la France de la Renaissance, met en lumière la symbolique forte et les profondes transformations de la figure équestre au cours de la Renaissance. Cette exposition réunit plus de 160 d’œuvres provenant d’institutions prestigieuses étrangères et françaises : Windsor – The Royal collection, le musée du Louvre, la Bibliothèque nationale de France, le musée national du château de Pau, les Archives nationales, le musée de l’Armée, la Cité de l’Architecture et du Patrimoine et le musée Carnavalet entre autres.

Heinz Berggruen a été témoin de certains des moments les plus turbulents de l’histoire du XXe siècle. Après avoir fui le régime nazi en 1936, il s’installe en France, où il crée sa première galerie Place Dauphine à Paris. Berggruen avait un œil exceptionnel pour l’art et une profonde compréhension de l’esthétique moderne. Sa collection, en constante expansion, est devenue l’une des plus importantes du monde, témoignant de sa quête incessante de perfectionnement artistique. Véritable célébration de la modernité artistique, elle couvre une période allant du début du XXe siècle jusqu’aux années 1960, et comprend des œuvres emblématiques de maîtres tels que Pablo Picasso, Paul Klee, Georges Braque, Henri Matisse et bien d’autres. 

Avec l'Expérience Raphaël, pour la première fois, l’intégralité du fonds de dessins légué par le peintre et collectionneur Jean-Baptiste Wicar (Lille,1762- Rome,1834), sera révélée au public. La présentation de ces 40 dessins, pour certains recto-verso, sera complétée par des prêts prestigieux consentis par le Musée du Louvre, la Galerie des Offices de Florence, la Royal Collection Trust et la National Gallery de Londres, ou encore le Musée Thyssen-Bornemisza de Madrid.
Le parcours permettra de suivre la carrière de ce génie de la Renaissance, de ses premières commandes en 1500 jusqu’à sa mort en 1520. Il sera complété par des tableaux et des reconstitutions numériques de quelques peintures aujourd’hui détruites, dont les dessins constituent parfois la seule trace.

Au musée de la Maison Rembrandt, des peintures, dessins, gravures et livres raconteront l'histoire de la vie et de l'œuvre de Samuel van Hoogstraten, dans une présentation mixte. L'exposition s'ouvrira sur le jeune Van Hoogstraten, qui débute sous la direction de son père à La Haye, découvre l'enseignement de Rembrandt et s'imprègne des leçons esthétiques et théoriques du maître jusqu'à formuler sa propre vision de l'art de peindre.