Cette rétrospective est organisée par la National Gallery de Londres à l'occasion du 150e anniversaire de la mort de Jean-François Millet. C'est l’occasion d’admirer certaines des ses œuvres  les plus appréciées. On retrouve au centre de son travail ceux qui consacraient leur vie à cultiver la terre et qui constituaient souvent la classe la plus miséreuse du XIXe siècle. C’est parce qu’il les connaissait bien que son approche réaliste et détachée de tout sentimentalisme en renouvela la vision.
Il fut admiré et copié par Vincent van Gogh et il a en outre inspiré des artistes impressionnistes et postimpressionnistes, dont Edgas Degas et Camille Pissarro.  

Le Musée Girodet de Montargis possède un important fonds de peintures, dessins et estampes de Maximilien Luce, autant d'oeuvres qui n'ont pas été présentées depuis longtemps et que cette exposition propose de redécouvrir.

L’Institut suédois à Paris et le Nationalmuseum de Stockholm s’associent pour consacrer une exposition monographique à Louis-Jean Desprez (1743-1804) Ce grand voyageur, peintre, architecte et graveur fut l’un des plus grands décorateurs de théâtre de son temps.  
Inspiré par les ruines antiques, les paysages fantastiques et l’architecture monumentale, il s’inscrit dans la tradition de Giovanni Battista Piranesi et Hubert Robert.

Après avoir été présentée au musée Van Gogh d’Amsterdam où elle a attiré un large public, c'est à la Royal Academy de Londres d'accueillir cette exposition dont le propos est un dialogue inédit entre deux géants de l’histoire de l’art : Vincent Van Gogh, maître post-impressionniste, et Anselm Kiefer, figure majeure de l’art contemporain allemand..
Cette confrontation donne lieu à une réflexion sur la mémoire, la guerre et le rôle de l’artiste face à l’Histoire, tout en rendant hommage à la spiritualité tourmentée du peintre néerlandais.

La Fondation Maeght présente une rétrospective de l'oeuvre et de la carrière de Barbara Hepworth, des premières sculptures modernistes des années 1920 et 1930, qui l’ont révélée au public, aux emblématiques sculptures filaires des années 1940 et 1950, jusqu’à ses commandes monumentales de la fin de sa carrière.C'est l'occasion de mettre en lumière la façon dont elle a intégré à son œuvre des disciplines aussi diverses que la musique, la danse, la science, l’exploration spatiale, la politique et la religion, tout en s’inspirant également des événements marquants de sa vie personnelle, construisant ainsi une vision singulière de l’art et de l’existence.

Après avoir été présentée au Musée de Tessé du Mans, l'exposition Sage comme une image ? L’enfance dans l’œil des artistes est à retrouver au Musée des Beaux Arts de Bordeaux. Elle s'intéresse aux représentations artistiques de l'enfant dans la société française de 1790 à 1850. A travers un parcours chronologique et thématique, on y trouve des oeuvres d'Eugène Delacroix, Théodore Géricault, Anne-Louis Girodet, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Camille Corot, Pierre-Jean David d’Angers, James Pradier ou encore Honoré Daumier mais aussi d'artistes moins connus avec des œuvres inédites ou peu présentées. 

Le musée Magnin met lui aussi Jean-Baptiste Greuze à l'honneur, à l’occasion du trois-centième anniversaire de sa naissance, avec une exposition-dossier Elle rassemble un tableau, une sélection de dessins originaux, ainsi que des estampes, issus de collections publiques et privées. Trois feuilles importantes conservées au musée national Magnin sont également présentées.
On y retrouve la richesse du trait et l’intensité narrative qui caractérisent l’art de Greuze, ainsi que les étapes préparatoires de certaines de ses peintures les plus célèbres. 

Les artistes nabis ont aussi excellés dans l’art de l’estampe. Le mouvement dont firent partie entre autres Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Maurice Denis et Félix Vallotton, bat son plein de 1890 à 1900 et il donna lieu à une production abondante et diverse d’images imprimées. C'est sous l’impulsion d’éditeurs et de marchands novateurs que ces artistes ont œuvré à une période phare de l’histoire de l’estampe qui a consacré le peintre-graveur dans son statut d’artiste original. Grâce aux ressources de la lithographie en couleurs et au renouveau de la gravure sur bois, les Nabis ont créé des œuvres variées : estampes artistiques, affiches, illustrations, programmes de spectacles, objets décoratifs.  

Le propos de l'exposition est de montrer comment, lors de l'émergence du surréalisme à Paris dans les années 1920, ces artistes ont placé les œuvres sur papier au cœur même de leur pratique créative. À travers des dessins, des croquis, des collages et des œuvres collaboratives, ils ont exploré les sphères de l'inconscient et de l'instinctif. Elle présente plus de 100 dessins d'artistes tels que Salvador Dalí, André Masson et Méret Oppenheim. Le Centre Pompidou a prêté 75 de ses plus beaux dessins surréalistes, qui seront présentés aux côtés d'œuvres provenant de collections danoises et internationales, ainsi que de la Collection royale d'estampes et de dessins du SMK. 

L'exposition du Musée d'Orsay se penche sur les années parisiennes de John Singer Sargent et sur les liens durables que le peintre conserva avec sa ville de formation. Elle retrace l'ascension fulgurante du jeune Sargent arrivé en France en 1874, puisque c'est à Paris que le peintre s’est formé, a développé son style et son réseau d’artistes puis a connu ses premiers succès. L'exposition couvre son parcours jusqu'au milieu des années 1880, période où il s'installe à Londres après le scandale suscité par son portrait de Madame Gautreau (Madame X) au Salon. Elle est conçue en partenariat avec le Metropolitan Museum of Art de New York et elle réunit plus de 90 œuvres de l'artiste, dont certaines n'ont jamais été présentées en France. 

Cette exposition consacrée à l'œuvre sur papier de Pierre Soulages rassemble 130 œuvres réalisées entre les années 1940 et le début des années 2000. Ce pan de son activité qui fut essentiel dans les développements de son langage artistique a été longtemps conservé par l'artiste, moins souvent montré que les peintures sur toile et rarement rassemblé dans des expositions à part entière. Il constitue pourtant un ensemble indispensable à la compréhension de sa peinture. 

A l'occasion de l'événement biennal Europalia consacré cette année à l'Espagne, cette exposition consacrée à Francisco de Goya rassemble des gravures et peintures de l'artiste provenant de collections du monde entier, mises en dialogue avec des œuvres de ses contemporains, mais également d'artistes de générations plus récentes, jusqu’à nos jours.

L’exposition fait revivre un événement majeur: la plus grande rétrospective d’Ernst Ludwig Kirchner organisée de son vivant.  Elle se tient en 1933 et l'artiste en assure le commissariat en étroite collaboration avec Max Huggler (1903–1994). L’exposition présente ainsi  62 œuvres réalisées entre 1908 et 1933 provenant de musées européens et américains ainsi que de collections privées.La réunion de "Alpsonntag. Szene am Brunnen" et "Sonntag der Bergbauern" provenant de la Chancellerie fédérale à Berlin constitue à elle seule un événement : ces deux œuvres n’ont pas été exposées ensemble depuis plus de 90 ans. 

Comme l'explique Olivia Voisin, directrice des musées orléanais François Marcille (1790-1856) est le premier qui a acheté les Fragonard, les Boucher, les Greuze, les Prud’hon, les Chardin dont personne ne voulait à l’époque. Il possédait 30 Chardin et c’était le plus grand collectionneur de Chardin de tous les temps.Il a transmis sa passion, avec trente tableaux du peintre, à ses fils Camille et Eudoxe qui fut de 1870 à 1890 le grand directeur du musée d’Orléans. L'exposition revient donc sur l'histoire de cette collection et présente en particulier Le Panier de fraises des bois (1761) du Louvre, tout juste restauré.

Cette exposition est l'occasion de présenter après leur la restauration, un certain nombre de chefs-d'œuvre de Fra Angelico et pour la première fois le réassemblage de plusieurs des grands retables du maitre dispersés dans des musées d'Europe et d'Amérique du Nord.
Cela est rendu possible par des prêts exceptionnels d'institutions comme le Louvre à Paris, la Gemäldegalerie de Berlin, le Rijksmuseum d'Amsterdam, le château de Windsor, les musées du Vatican, le Metropolitan Museum of Art de New York la Gallery of Art de Washington et le Philadelphia Museum of Art. L'exposition permet également d'explorer la production, le développement et l'influence de l'art de Fra Angelico en dialogue avec des peintres comme Lorenzo Monaco, Masaccio, Filippo Lippi, Jan van Eyck et Lorenzo Monaco, ainsi qu'avec des sculpteurs comme Lorenzo Ghiberti, Michelozzo et Luca della Robbia.

Le musée Jacquemart-André propose la première rétrospective en France consacrée à Georges de La Tour depuis celle du Grand Palais en 1997 et réunit plus de trente d'oeuvres sur la quarantaine d'oeuvres connues de l'artiste. C'est évidemment le sujet de l'ombre et de la lumière qui est mis en avant pour présenter ce maitre du clair-obscur mais c'est surtout à une relecture de la carrière de Georges de La Tour que cette exposition invite en tentant d’éclairer les interrogations qui entourent encore son œuvre et son parcours.  

À l’occasion du 300e anniversaire de la naissance de Greuze, cette exposition propose de redécouvrir son œuvre sous l'angle d’un thème central dans sa peinture : l’enfance. Cette question de l'enfant, de sa place et de son éducation était en effet une préoccupation nouvelle au XVIII° siècle en écho aux préoccupations des philosophes - Diderot, Rousseau ou Condorcet - et Greuze s'en est fait l'interprète privilégié. Cette exposition réunit une centaine de peintures, dessins et estampes issues de collections du monde entier et se propose comme une vraie redécouverte de l'oeuvre de cet artiste majeur.

Cette exposition invite à découvrir la carrière et la personnalité de Berthe Weil, figure marquante du marché de l'art du début du XX° siècle. Elle retrace ainsi la vie d’une galerie dans sa continuité et ses péripéties. Présentant une centaine d’oeuvres, peintures, sculptures, dessins, estampes et bijoux, elle évoque les expositions que Berthe Weill organisa. On retrouve des oeuvres de Pablo Picasso, Henri Matisse, Diego Rivera, Amedeo Modigliani  mais aussi  de même qu'à la galerie Berthe Weill à l'époque, celles d'artistes beaucoup moins connus comme Emilie Charmy, Pierre Girieud ou Otto Freundlich.

C'est la première exposition consacrée à David depuis l’exposition de 1989 et le Louvre remet à l’honneur l'artiste à l'occasion du bicentenaire de sa mort en exil à Bruxelles en 1825. Selon les mots du commissaire de l'exposition, Sébastien Alllard « Regarder l’œuvre de David, c’est poser la question de l’engagement dans une société en pleine mutation ». L’ambition de cette exposition est donc de remettre en perspective le travail visionnaire de David. Elle presente des œuvres du Louvre en dépôt au château de Versailles et bénéficie de prêts exceptionnels de la part des Musées royaux des Beaux-Arts de Bruxelles.

Lla musique a joué un role essentiel dans la vie et l'art de Kandinsky. Le Musée de la musique-Philharmonie de Paris et le Centre Pompidou s’associent pour présenter près de 200 œuvres et objets afin d'évoquer cette place fondamentale occupée par la musique en particulier dans l’évolution de sa pratique artistique vers l’abstraction. On y retrouve des tableaux et dessins avec ses différents projets pour la scène, ses poèmes explorant le « son pur » des mots, mais encore l’Almanach du Blaue Reiter. En outre l'’exposition propose la recréation de plusieurs œuvres synesthésiques, comme le Salon de musique qu’il conçoit pour l’exposition d’architecture de Berlin en 1931.

Cette exposition est consacrée à la représentation de la licorne dans l'art et elle réunit près de 150 œuvres couvrant une période d'environ 4 000 ans, dont des peintures, des dessins, des estampes, des manuscrits enluminés, des sculptures et des tapisseries. Ce sont les plus grands musées européens qui ont consenti des prêts à cette occasion. On y trouve des œuvres d'artistes tels qu'Arnold Böcklin, Albrecht Dürer, Angela Hampel, Gustave Moreau, Joachim Sandrart et Marie Cécile Thijs.
Il est à noter qu'elle sera présentée au Musée de Cluny à Paris du 13 mars au 12 juillet 2026.

Pour la première fois, le musée du Louvre présente la plus vaste collection au monde des dessins préparatoires d’Annibale Carracci, pour la Galerie Farnèse, de l’ébauche aux cartons monumentaux. Le musée est dépositaire de la collection royale française et possède aujourd’hui le plus important ensemble de ces dessins au monde avec la collection royale britannique, qui compte elle 25 œuvres qui sont prêtées à cette occasion par Sa Majesté le Roi. L’exposition dévoile aussi  les fragments subsistants - récemment restaurés - de la réplique de la galerie Farnèse commandée par Louis XIV pour le palais des Tuileries, aujourd’hui détruite.

Cette exposition organisée en collaboration avec le musée Kröller-Muller de Rotterdam présente l'ensemble de peintures néo-impressionnistes le plus complet au monde, réunis par Helene Kröller-Müller, l'une des premières grandes mécènes du XXe siècle. Collectées dans le but de les rendre accessibles au public, ces œuvres font désormais partie du Musée Kröller-Müller aux Pays-Bas, fondé par Helene Kröller-Muller.
L'exposition Harmonie radicale : les néo-impressionnistes d'Helene Kröller-Müller se concentrera sur la manière dont ce style est devenu l'un des tout premiers mouvements artistiques paneuropéens. Si radical que certains critiques de l'époque y ont vu le signe de la mort de la peinture, en raison de la nature méthodique de la production d'un tableau en points pointillistes réguliers de couleur pure, supprimant l'individualité d'un artiste généralement exprimée par ses coups de pinceau.

Cette exposition exposition organisée au Belvédère réunit plus de soixante œuvres du musée Langmatt de Baden, près de Zurich Elle permet de mettre en lumière l'une des plus importantes collections privées d'impressionnisme français en Europe.
Le Belvédère a en effet été l'un des trois seuls musées internationaux sélectionnés pour exposer les trésors de Langmatt pendant la rénovation du musée suisse.
La collection du Musée Langmatt est remarquable, tant par sa constitution précoce que par le fait qu'elle reflète la personnalité des collectionneurs qui sont à son origine. Ils ont en effet commencé à constituer leur collection d'impressionnisme français en 1908, à une époque où des artistes comme Claude Monet, Camille Pissarro et Paul Gauguin n'étaient pas encore largement reconnus.

Cette exposition qui rassemble plus de 70 œuvres provenant de plus de 25 musées internationaux et collections privées, donne un aperçu du développement de l'impressionnisme allemand et en particulier du rôle moteur de Max Liebermann dans ce mouvement.
On retrouve des oeuvres de Max Slevogt, Lovis Corinth et Fritz von Uhde et bien sur une vaste sélection d'oeuvres de Liebermann dont son célèbre jardin de fleurs au Wannsee.

A travers la présentation de la collection réunie depuis plus de 30 ans par Marek Roefler, collectionneur et fondateur du musée Villa la Fleur à Konstancin-Jeziorna (près de Varsovie) l'exposition présente une sélection d’œuvres emblématiques d’artistes de l’École de Paris. Ce terme, popularisé dès 1925 par le critique d’art André Warnod, désigne un phénomène unique dans l’histoire de l’art : l’afflux massif d’artistes étrangers à Paris entre 1900 et 1939, faisant de la capitale française le centre de la modernité artistique.  
On retrouve des artistes connus comme Ossip Zadkine, Tamara de Lempicka et Moïse Kisling, mais aussi d'autres moins familiers du grand public comme Henri Hayden, Eugène Zak, Henri Epstein, Mela Muter, Louis Marcoussis, Alice Halicka, ou encore les sculpteurs Auguste Zamoyski, Boleslas Biegas et Jozef Csaky.

A l'occasion du centenaire de sa disparition de Félix Vallotton, le Musée Cantonnal des Beaux Arts de Lausanne qui conserve la plus grande collection au monde d’œuvres de l’artiste s'associe à la Fondation Félix Vallotton pour organiser une importante.
L'exposition rassemble quelque 200 œuvres parmi les plus importantes de Vallotton dans les collections publiques et privées, en Suisse et en Europe.

La collection Scharf est l'une des plus importantes collections d'art privées d'Allemagne et elle est présentée pour la première fois au public à l'occasion de cette exposition. Elle présente une sélection de quelque 150 oeuvres, dont des œuvres majeures d'Auguste Renoir, Pierre Bonnard, Edgar Degas et Claude Monet mais on y retrouve également des œuvres des premiers modernistes comme Goya jusqu'à des artistes contemporains comme Sam Francis et Katharina Grosse.

Cette exposition est consacrée à la représentation du sommeil en peinture et ses symboliques, en particulier dans des oeuvres des XIXe et XXe siècles. Elle rassembe 130 œuvres, réalisées entre 1800 et 1920, mises en perspective avec des créations de l’Antiquité, du Moyen Âge, des Temps Modernes et de l’époque contemporaine. Elles sont réparties en huit sections thématiques comme  « le sommeil de l’innocent », « le songe des récits bibliques », ou encore « l’ambivalence entre repos et repos éternel ». L'exposition a l'originalité d'être placée sous le double commissariat d'une neurologue et historienne des sciences, Laura Bossi et de la directrice des collections du musée Marmottan Monet, Sylvie Carlier.

L'exposition réunit les tableaux les plus importants d'un artiste inconnu mais très talentueux du XVIIe siècle, connu sous le nom de Maître IS. Ce contemporain anonyme de Rembrandt peignait avec un souci du détail et une profondeur psychologique remarquable. Il signait ses tableaux avec les seules lettres IS et aurait vécu à Leyde. La plupart de ses œuvres, présentent des visages bruts, presque hyperréalistes, elles sont pour nombre d'entre elles présentées au public pour la première fois. Enfin elles sont mises en rapport avec les œuvres d'autres maîtres de Leyde, tels que Rembrandt, Jan Lievens et Gerrit Dou. 

À l'occasion du 250e anniversaire de leur naissance, cette exposition historique explore les vies et les héritages étroitement liés de Turner et Constable. En effet ils étaient nés à un an d'intervalle :Turner en 1775 et Constable en 1776 et tous deux utilisaient l'art du paysage comme un moyen de refléter l'évolution du monde qui les entourait. Les deux peintres se disputaient le succès par des approches très différentes mais tout aussi audacieuses, ce qui donna lieu à une rivalité acharnée. Turner peignait des couchers de soleil flamboyants et des scènes sublimes de ses voyages, tandis que Constable revenait souvent à des représentations de quelques lieux qu'il aimait tant, s'efforçant d'apporter fraîcheur et authenticité dans sa représentation de la nature. Les critiques d'art comparaient leurs peintures à un choc entre « le feu et l'eau ».