Normand d'origine, Raoul Dufy est d’abord influencé par les impressionnistes et Boudin avant de suivre l’exemple de Matisse et de ses amis qu’il accompagne dans l’aventure fauve. Comme eux, il recourt à une palette de couleurs vives et à un dessin très libre.
C’est en 1908, lors d’une sorte de voyage initiatique dans le sud de la France en compagnie de Georges Braque, que Dufy arpente les terres cezanniennes. De retour sur ses terres, Dufy continuera d’explorer l’œuvre de Cezanne jusqu’en 1914 en développant son usage des couleurs et son utilisation des motifs de prédilection du peintre aixois : les baigneuses, les fêtes nautiques, les paysages côtiers, les bateaux.

Au cours de cette exposition, l’Hôtel de Caumont met à l’honneur l’œuvre du peintre à travers plus de quatre-vingt-dix œuvres majoritairement issues du Musée d’Art Moderne de Paris, mais aussi de collections publiques et privées, en France et à l’étranger.

Souvent qualifié de fauve méditerranéen, Charles Camoin (1879-1965) s’est inscrit, par ses liens avec Paris et la bohème montmartroise, dans le cercle de l’avant-garde internationale. Affilié au fauvisme, lié à Matisse, Marquet et Manguin, il n’a pour autant jamais renoncé à son indépendance artistique.

L'exposition permet de redécouvrir l’œuvre du peintre en intégrant une centaine de tableaux et dessins, dont certains inédits. Il approfondit différents épisodes historiques et thématiques de la vie de l’artiste et analyse l’évolution de son langage pictural, fondé sur la sensation colorée.

Qui sont les héroïnes du romantisme et comment sont-elles représentées dans les arts au XIXe siècle ? Grâce à une sélection d’une centaine d’œuvres - peintures, sculptures, manuscrits et objets d’art -, l’exposition invite le public à découvrir des héroïnes revisitées ou inventées par le romantisme : Héroïnes du passé, Héroïnes de fiction et Héroïnes en scène. Ce parcours en trois temps permet de tisser des liens entre les Beaux-arts, la littérature et les arts de la scène qui jouent au XIXe siècle un rôle majeur dans la diffusion d’un héroïsme féminin aux accents tragiques. 

L’exposition Statues Modèles retrace l’histoire de l’enseignement artistique à Amiens depuis la fin du XVIIIe siècle jusqu’à nos jours en centrant son propos sur les moulages en plâtre de l’ancienne École des Beaux-arts d’Amiens qui servaient de supports à l’apprentissage du dessin pour les artistes et artisans.

Symboles d’un enseignement académique jugé passéiste, ces moulages ont été peu à peu négligés et sont même devenus, à partir de 1968, le support de dégradations tantôt destructrices tantôt créatives.  Au-delà de leurs qualités plastiques, les moulages sont des témoins matériels qui permettent de restituer une histoire du goût, de retrouver une généalogie des praticiens et leurs techniques, mais aussi de réexaminer la valeur des modèles dans une histoire de l’art globale.
 

A travers l’exposition « Le Théâtre des émotions », le Musée Marmottan présente près de quatre-vingts œuvres du Moyen Âge à nos jours, provenant de collections particulières et de prestigieux musées français et internationaux sont réunies et retracent l’histoire des émotions et leurs traductions picturales du XIVème au XXIème siècle. 

L'exposition Donatello, la Renaissance, à la Fondazione Palazzo Strozzi et au Musée du Bargello, se propose de reconstituer la carrière exceptionnelle de l'un des maîtres les plus importants et les plus influents de l'art italien de tous les temps, en juxtaposant son œuvre aux chefs-d'œuvre d'autres maîtres de la Renaissance italienne tels que Brunelleschi, Masaccio, Andrea Mantegna, Giovanni Bellini, Raphaël et Michel-Ange.

Cette exposition, l'une des premières à explorer l'ensemble de la carrière de Raphaël, présente ses célèbres peintures et dessins, ainsi que ses travaux d'architecture, de poésie et de conception de sculptures, de tapisseries et de gravures.
Grâce à des prêts du Louvre, de la National Gallery of Art de Washington, du musée du Prado, du musée des Offices et du musée du Vatican, cette exposition est une occasion de découvrir l'étendue des compétences, de la créativité et de l'ingéniosité de Raphaël.

Figure majeur de la peinture finlandaise, Akseli Gallen-Kallela (1865-1931) est mis en avant par le Musée Jacquemart-André avec une exposition de près de soixante-dix œuvres issues de collections publiques et privées. L’exposition investit un aspect dominant de son œuvre et traversant l’ensemble de sa carrière, à savoir le thème de la nature et du paysage finlandais.
Cette exposition se propose de révéler de manière plus approfondie la question de la relation de l’homme à la nature, qui évolue au cours sa carrière.

Le Petit Palais consacre une grande exposition à l’artiste italien Giovanni Boldini ( (1842-1931), portraitiste virtuose qui fut l’une des plus grandes gloires du Paris du tournant des XIXe et XXe siècles, en observateur attentif de la haute société qu’il admirait et fréquentait. Un parcours riche de 150 œuvres mêlant peintures, dessins, gravures, costumes et accessoires de mode prêtés par des musées internationaux et de nombreuses collections particulières.

Pour la première fois depuis cinquante ans en France, une exposition de grande envergure est consacrée à Antoni Gaudí (1852-1926), maître de l’Art nouveau. Elle s’attachera à montrer, à travers les quelques dessins subsistants de l’artiste, des maquettes et de nombreuses œuvres de mobilier, le processus créatif de l’architecte au milieu d’une profusion artistique locale exceptionnelle lié au « Modernisme » ou mouvement de l’Art nouveau en Espagne, porté par des commanditaires insignes, soucieux de distinguer la Catalogne, terre identitaire de nature méditerranéenne.

L’impressionnisme est rarement associé au terme décoration. Pourtant, des œuvres impressionnistes regardées aujourd’hui comme des tableaux de chevalet – paysages, fleurs ou scènes de la vie moderne – ont d’abord été conçues comme des décorations. Soucieux de la place du beau dans la vie quotidienne, les artistes impressionnistes en ont fait un terrain d’expérimentation, s’aventurant sur des supports variés dont ils ont exploré toutes les possibilités.

Cette exposition invite donc pour la première fois à explorer une autre histoire de l’impressionnisme avec des œuvres de Cassatt, Cézanne, Degas, Manet, Monet, Morisot, Pissarro et Renoir, venant du monde entier, pour certaines rarement ou jamais présentées en France. Elle montre comment, à travers quelque quatre-vingt peintures, éventails, céramiques ou dessins, les impressionnistes ont tracé un chemin nouveau, avec la conviction que, pour citer Renoir, l’art est fait avant tout pour « égayer les murs ».

En décembre 1961, Picasso réalise un portrait de Djamila Boupacha, jeune algérienne indépendantiste emprisonnée et torturée, défendue par Gisèle Halimi et Simone de Beauvoir. Née de ce fait précis, Picasso et les avant-gardes arabes s’attache à présenter la relation beaucoup plus vaste de Picasso aux artistes arabes à partir des années 1940 jusqu’aux années 1980

Cette monographie, la première à être dédiée à ce maître, organisée avec l’Ateneum Art Museum d’Helsinki, est dédiée à Albert Edelfelt, l’une des gloires de la peinture finlandaise. Une centaine d’œuvres permettront de retracer l’évolution de sa carrière et de montrer comment cet artiste a largement contribué à la reconnaissance d’un art finlandais à la fin du XIXe siècle.

En 1891, Gauguin quitta la métropole artistique de Paris, sa femme et ses cinq enfants pour se lancer dans une quête spirituelle et artistique en Polynésie française. Il y vivra, avec une interruption, jusqu'à sa mort en 1903. C'est durant cette période, entre 1891 et 1901 sur l'île de Tahiti et dans les mers du Sud, qu'il réalise, entre autres, l'une des œuvres majeures de la collection de la Nationalgalerie, "Pêcheuses tahitiennes" en 1891.

Sur fond de modèles historiques et de débats postcoloniaux, l'exposition met en discussion le mythe de "l'artiste sauvage" créé par Gauguin lui-même et aborde l'œuvre de l'artiste sous différentes perspectives en croisant sa vision avec les oeuvres d'artistes contemporains comme Angela Tiatia (Nouvelle-Zélande/Australie), Yuki Kihara (Samoa/Japon) ou Nashashibi/Skaer (Grande-Bretagne) ou l'activiste et artiste tahitien Henri Hiro (Polynésie française).

Cette exposition propose de mettre en avant le rôle primordial des femmes dans le développement des grands mouvements artistiques de la modernité. Ces pionnières, comme Tamara de Lempicka, Sonia Delaunay, Tarsila do Amaral ou encore Chana Orloff accèdent enfin aux grandes écoles d’art jusqu’alors réservées aux hommes et séjournent à Paris, pendant quelques semaines ou quelques années. Ces “femmes nouvelles” sont les premières à pouvoir être reconnues comme des artistes, posséder un atelier, une galerie ou une maison d’édition, diriger des ateliers dans des écoles d’art, représenter des corps nus, qu’ils soient masculins ou féminins. L’interdisciplinarité et la performativité de leur création ont influencé des générations entières d’artistes et continuent d’influencer encore aujourd’hui.

Le temps d'une exposition, le château de Fontainebleau fera revivre les somptueuses fêtes données à la cour des Valois, du règne de François Ier à celui d’Henri III. Une centaine d’œuvres, venue des plus grands musées internationaux, tels la Galerie des Offices – Palazzo Pitti de Florence et du Metropolitan museum of Art de New York, permettront de comprendre le déroulement de ces réjouissances et d’en saisir tout l’éclat.

Les Scuderie del Quirinale et la National Gallery of Art de Washington, avec la collaboration spéciale des Musées de Gênes, présentent une grande exposition-événement intitulée "Superbarocco. L'art à Gênes de Rubens à Magnasco", consacrée au siècle d'or de l'art génois, l'une des périodes les plus glorieuses de l'histoire de l'une des grandes capitales économiques et artistiques de l'Europe au XVIIème siècle.

Monet / Rothko proposera un dialogue inédit, à Giverny, entre le maître de l’abstraction et la référence absolue sur l’impressionnisme. L’exposition proposera le rapprochement entre six œuvres de Rothko et six peintures de Monet. Déclinée en thématiques chromatiques, elle donnera à voir les peintures de ces deux maîtres sous un jour inédit.

La nature est un élément déjà bien connu de l’œuvre de Delacroix. Mais au-delà d’une simple thématique artistique, la nature occupe chez ce peintre d’histoire une place bien plus complexe, entre observation, étude et réinvention. L’exposition Delacroix et la nature met en avant le travail de la nature pour l'artiste en présentant de rares paysages peints, mais également les nombreuses esquisses et croquis du peintre qui forment un ensemble d’herbiers, de bestiaires personnels et de feuilles d’études que Delacroix ne montrera jamais au public de son vivant.

Originaire du Nord de la France, Louis-Léopold Boilly (1761-1845) part à la conquête de la capitale à l’âge de vingt-quatre ans, en 1785, pour ne plus jamais la quitter. Artiste virtuose, prolifique et inclassable, il se fait le chroniqueur enthousiaste de Paris pendant soixante ans, d’une révolution à l’aube d’une autre (1789 et 1848). 
Cette exposition monographique explore sa carrière foisonnante au travers de 130 œuvres qui invitent à découvrir la singularité de l’artiste, son brio, son humour et son inventivité. 

Cette exposition du Städel Museum a pour but de mettre en regard l'oeuvre de Pierre-Auguste Renoir (et d'autres artistes importants du XIXème siècle comme Degas, Morisot ou Manet) et la peinture "rococo" dans une exposition de plus de 120 oeuvres provenant de musées internationaux tels que la National Gallery de Washington, le Musée d'Orsay à Paris, la National Gallery de Londres, le Metropolitan Museum of Art de New York, le J. Paul Getty Museum de Los Angeles, ainsi que de collections privées.

Le musée Albertina consacre une brillante exposition à Edvard Munch (1863-1944). Plus de 60 œuvres de l'artiste norvégien témoignent de son impressionnant travail d'avant-garde de l'art moderne (et contemporain) et dialoguent avec, entre autres, sept grands artistes contemporains : Georg Baselitz, Andy Warhol, Miriam Cahn, Peter Doig, Marlene Dumas, Tracey Emin et Jasper Johns.

La rétrospective Jean Dubuffet présentée à la Fondation Pierre Gianadda, en collaboration avec le Centre Georges-Pompidou à Paris, propose une relecture du travail du grand défenseur de «  l'Art Brut » qui occupe une place majeure dans le paysage artistique de la seconde moitié du 20ème siècle.

De par sa diversité, cette exposition témoigne de l’inépuisable créativité de cet artiste prolifique – né en 1901 et décédé en 1985 – qui sut faire évoluer son style tout au long de son existence. Pour rendre compte de tous les aspects de sa création, l’exposition présentée à la Fondation Pierre Gianadda s’articule autour de temps forts, faisant alterner chefs-d’œuvre de sa peinture et ensembles majeurs de travaux sur papier (dessins et gouaches), présentés selon un déroulement chronologique.

Bien que né à Granville et mort à Paris, Maurice Denis a toujours vécu à Saint-Germain-en-Laye, alors en Seine-et-Oise, aujourd’hui sous-préfecture du département des Yvelines.

L’exposition Bonheur rêvé propose une immersion dans l’intimité de l’homme et de l’artiste, au fil de sa vie et suivant l’évolution de son œuvre, dans ses différentes résidences. Elle met particulièrement en exergue le Prieuré, « destiné à devenir la demeure définitive » (dixit Henry Cochin), que le peintre a occupé les trente dernières années de sa vie, devenu le musée départemental Maurice Denis.

Bénéficiant de prêts exceptionnels, notamment du musée d’Orsay, cette exposition remet en lumière les œuvres phares du Musée, accompagnées de nombreuses pièces inédites, issues essentiellement de collections privées. 

Temps forts des collections du musée Condé, l’orientalisme débute en France en 1832 avec le voyage de Delacroix au Maroc, dont Chantilly conserve l’un des célèbres albums de l’artiste, et se développe avec le romantisme, mais rassemble des artistes aux personnalités aussi différentes, voire opposées, qu’Horace Vernet ou Eugène Delacroix, Prosper Marilhat ou Alexandre-Gabriel Decamps. Il marque l’intérêt du XIXe siècle pour les cultures d’Afrique du Nord et des régions dominées par l’Empire ottoman.

Du 1er mars au 22 mai 2022, la Galleria Borghese inaugurera l'exposition Guido Reni et Rome : Nature et dévotion, la première d'une série d'expositions internationales consacrées au maître du XVIIe siècle italien.

 L'exposition s'articule autour du tableau Danse champêtre (vers 1605) de Reni qui a réintégré la collection du musée il y a un an. Faisant partie de la collection du cardinal Scipione, mentionné dès le début du 17ème siècle dans les anciens inventaires, vendu au 19ème siècle et considéré comme perdu jusqu'à ce qu'il réapparaisse en 2008 sur le marché des antiquités de Londres comme une œuvre d'un artiste anonyme, le tableau - dûment authentifié - a été acquis par la Galleria en 2020. 

A travers cette exposition, de plus de 30 œuvres, qui vise à reconstituer - en partant de l'intérêt de Reni pour la peinture de paysage par rapport aux autres peintres actifs à Rome au début du 17ème siècle - les premières années du séjour de l'artiste à Rome, son étude enthousiaste de l'Antiquité et de la Renaissance, sa stupéfaction face à la peinture du Caravage - qu'il a rencontré et fréquenté - et ses relations avec ses mécènes.